Visionario e prolifico, Karim Rashid è una delle voci più uniche nel design odierno. Con oltre 4000 progetti in produzione, oltre 400 premi a suo nome e lavori per clienti in 47 paesi, la capacità di Karim di trascendere la tipologia continua a renderlo una forza tra i designer della sua generazione. I suoi progetti pluripremiati includono oggetti democratici come l’onnipresente bidone per rifiuti Garbo e la sedia Oh! per Umbra, interni per la stazione della metropolitana dell’Università di Napoli, Radisson, NH Hotel Group, Temptation Resort e mostre per Corian e Pepsi. Karim ha collaborato con i clienti per creare un design democratico per Method e Dirt Devil, mobili per Artemide e Riva1920, identità di marca per Citibank e Hugo Boss, prodotti high-tech per Paul Mitchell e Samsung e beni di lusso per Veuve Clicquot e Issey Miyake, per citarne alcuni. Il lavoro di Karim è presente in 20 collezioni permanenti ed espone opere d’arte in gallerie di tutto il mondo.

Numerosi premi e riconoscimenti, tra cui l’American Prize for Design Lifetime Achievement Award, il Red Dot Award, il Chicago Athenaeum Good Design Award e il Pentaward, attestano il contributo di Karim al mondo del design. Ha conseguito dottorati onorari presso l’Ontario College of Art & Design e il Corcoran College of Art & Design. Karim è spesso relatore ospite presso università e conferenze, diffondendo a livello globale l’importanza del design nella vita di tutti i giorni. Karim è apparso su riviste tra cui Time, NY Times, Esquire, GQ e innumerevoli altre. I suoi libri includono From the Beginning, Forma Edizioni (2014), Frame (2012), Sketch (2011), una monografia di 300 disegni e rendering al computer di opere selezionate, KarimSpace, Rizzoli (2009), Design Your Self, Harper Collins (2006), Evolution, Rizzoli (2004) e I Want to Change the World, Universe (2001).

Nel tempo libero Karim gioca con l’arte, la moda e la musica ed è determinato a toccare creativamente ogni aspetto del nostro paesaggio fisico.

kAIna è una potente esplorazione dell’identità umana in evoluzione, catturata nel medium senza tempo del marmo. Questa scultura riflette su un futuro plasmato dall’intelligenza artificiale e dal progresso tecnologico, rendendo omaggio al contempo alla duratura risonanza emotiva della pietra naturale. Attraverso forma e materiale, kAIna contrasta elementi che simboleggiano il dialogo tra umanità e intelligenza artificiale; forme fluide e astratte rappresentano la dissoluzione di rigidi binari; e l’uso di tecniche scultoree innovative riflette il progresso tecnologico sia nella concezione che nell’esecuzione. Il marmo e la pietra naturale sono allo stesso tempo antichi e contemporanei, intrisi di storia ma capaci di una profonda reinvenzione. In kAIna, le curve morbide e fluide e i volumi vuoti della testa sfidano le nostre aspettative su ciò che il marmo può esprimere. La scultura respira, la sua leggerezza e il suo movimento sfidano il peso tradizionale e la solennità del materiale. Il tutto pur mostrando la mano dell’artigiano e l’abilità creativa e tecnica dell’artista.Le sottili venature superficiali conferiscono un ritmo organico, ancorando l’opera al mondo naturale, pur puntando verso l’astrazione e il futurismo. Non è solo una scultura: è un dialogo tra silenzio e forma, tra permanenza e possibilità. Creare oggetti stimolanti come kAIna non significa solo plasmare la pietra: significa rivelare il potenziale emotivo del materiale e trasformarlo in un mezzo per l’immaginazione. Qui, il marmo viene ridefinito: non come una reliquia del passato, ma come veicolo per ciò che verrà.

Il Gruppo Cave Michelangelo che ha incessantemente promosso la città di Carrara quale centro storicamente fondato sull’estrazione del marmo sulla scultura, ha dato vita al progetto “Studi D’Arte e Cave Michelangelo”, un centro vitale per la formazione di giovani scultori, che offre la grande opportunità di lavorare fianco a fianco con maestri di primissimo piano, in una osmosi culturale senza confronto. Il laboratorio è composto da una struttura per la produzione artistica, nella quale l’evoluzione delle tecniche scultoree e la disponibilità di spazi e materiali, si fondono per consentire la continuità della tradizione di “Bottega D’Arte” tradotta in chiave moderna.